金春禅竹の創造的方法論を現代マルチメディア音楽演劇の実践に適用へ
キーワード：能楽、金春禅竹、現代音楽、マルチメディア・アート、フィールド・レコーディング
2020.03～2023.03.

Islands in the Global Age
2021.09～2024.06, 代表者：Dr Graham Eatough, University of Glasgow, University of Glasgow (Scotland, UK)
This theme explores the connections between identity, culture, technology and natural environment in Scotland, Europe and archipelagic regions across the globe.

The engrained cultural practices, philosophical ideas and psychological resources we derive from inhabiting a territory and passing on our experience and knowledge to future generations through arts, crafts and technology define our identity and relationship to other communities around the world. The archipelagic layout of the Scottish natural environment and its interactions across time with its continental neighbours and islandic nations across the globe, providing creative solutions to global challenges, can be looked at through a trans-disciplinary lens which combines the expertise of practitioners and researchers from the College of Arts (Modern Languages & Cultures, History of Art, Theatre, Humanities, Theology & Religious Studies), College of Social Sciences (Education) and College of Medicine, Veterinary & Life Sciences (Psychology & Neuroscience).

The aim of the theme is to provide a congenial research environment that fosters collaboration across disciplinary boundaries and supports the personal development of Early Career Researchers and PhD students. As a natural extension of the activities organised through the Existential Philosophy and Literature Network (2017-2019) and the Glasgow-Kyushu Research Collaboration in the Arts (2019-2022), the theme seeks to energise links with external partners (such as GalGael Trust, Scottish Centre for Geopoetics, the Alliance française de Glasgow and the French Institute in Edinburgh), and to organise public events to disseminate ideas around nomadism and travel across cultures, inspired by the geopoetic movement initiated by the Glasgow-born Scottish-French writer, Kenneth White. This line of enquiry ties in with cross-disciplinary research on eco-criticism, the impact of technology and human/robot interactions during the pandemic, and the role of creative industries and performative art in tackling mental health and restoring our relationship to the natural environment..

Music and the nonhuman: an approach to contemporary interpretation of sound i nformed by Japanese aesthetics
2023.04～2026.03, 代表者：Daryl Jamieson
In an era of global environmental and civilisational chaos and seemingly imminent collapse, what role can the musical arts play? In Marianna Ritchey’s Composing Capital, Ritchey makes clear that mainstream contemporary music is as implicated in the destructive system of global capitalism as the rest of the culture industry, and it is thus clear that only radically experimental or heterodox approaches can – in the grand tradition of all arts – create places where social relationships among humans and between humans and the nonhuman can be reimagined. To this end, this research project will build on the work of contemporary experimental composers who are working outside the mainstream, and new musicologists (especially anti-capitalist queer and feminist musicologists) and theorists. But this project will equally listen back to conceptions of music and music theatre from pre-modern, pre- capitalist periods (with an emphasis on waka theory, Okina, and Zenchiku) as potential models for sounding art in the post-capitalist world, an art more attuned to and in dialogue with, the nonhuman world..

Field Recording and the Reenchantment of the World - an intercultural and interdisciplinary approach
2020.03～2020.04
The ongoing ecocide which we, in a state of abject detachment, are witnessing and abetting calls out for artists to reconnect and reengage with what has been deemed valueless by our civilisation: the non-human world. Countering the disenchantment of nature wrought by scientism, human-centrism, and above all capitalism necessitates a dissolving of the barriers we set up between ourselves and our environment, a task which can be only accomplished via religion or art. Field recording is, I will argue, a genre of music well-placed to take on this role.
In this paper, Toshiya Tsunoda’s exemplary Somashikiba (2016) – recorded in locations forgotten by civilisation – will be examined via interpretive tools adapted from Ueda Shizuteru’s Kyoto School aesthetics and Takahashi Mutsuo's poetics. Ueda’s philosophy offers a way of understanding perception which eliminates the subject-object division. Takahashi’s project of recovering the spirituality of place through poetry is a model of historically- and politically-engaged art. Looking, as these contemporary Japanese thinkers have done, to the pre-capitalist, pre-formalist past to rediscover (sound) art’s relationship as a medium which reconfigures the listener’s perception of reality, I will argue for the urgency of sound art such as Tsunoda’s which aids in the reenchantment of the world to a future beyond capitalist, humanist ‘civilisation’.
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主要著書

主要原著論文

1.	Daryl Jamieson, Spirit of Place: Zeami’s Tōru and the Poetic Manifestation of Mugen, Japanese Studies, https://doi.org/10.1080/10371397.2022.2101991, 42, 2, 137-153, 2022.07, [URL], Zeami Motokiyo was one of nō’s most important theorists and practitioners, and mugen nō one of his most sophisticated innovations. Using the play Tōru as a model, this article explores how Zeami’s nō utilised waka theory and Buddhist aesthetics that were current in his time. I will particularly focus on his use of utamakura, a poetic device of intertextual allusion via place names. In the second part of the article I will analyse Tōru’s text and music through the lens of Kyoto School philosopher Ueda Shizuteru’s theory of language. In positioning poetic spirits of place on stage, Zeami shows the power of language to manifest something like conventional reality. When watching mugen nō, the music and poetry combine to create a place wherein the audience shares the aesthetic-spiritual experience of the spirit of place manifesting in our communal mind. His staging of the opening up of the hollow expanse is the beauty of Zeami’s art. 世阿弥元清は能の最も重要な理論家・実践家の一人であり、夢幻能は彼の最も洗練された革新の一つであった。本稿では、『融』を題材に、世阿弥の能が当時の和歌理論や仏教的美学をどのように活用していたかを探る。特に、歌枕という地名による相互引用の詩的装置に注目する。第二部では、京都学派の哲学者である上田閑照の言語理論のレンズを通して、『融』のテキストと音楽を分析することにする。世阿弥は、詩的な地霊を舞台上に配置することで、従来の現実のようなものを顕在化させる言語の力を示す。夢幻能を見るとき、音楽と詩が一体となって、観客が美的精神的な体験を共有し、共同体の心の中に場所の精神が顕在化する場を作り出す。空洞の広がりの演出は、世阿弥の芸術の美しさである。.
2.	Daryl Jamieson, Field Recording and the Re-enchantment of the World: An Intercultural and Interdisciplinary Approach, The Journal of Aesthetics and Art Criticism, 10.1093/jaac/kpab001, 2021.02, Nonfictional field recording is a genre of music (sound art) which offers a glimpse of art beyond our late-capitalist age. The ongoing ecocide which we, in a state of abject detachment, are witnessing and abetting calls out for artists to reconnect and reengage with the nonhuman world that has been deemed valueless by our civilization. Countering the disenchantment of nature wrought by scientism, human-centrism, and above all capitalism necessitates a dissolving of the barriers we set up between ourselves and our environment, a task which can be only accomplished via religion or art: an art—like field recording—which affords reconnecting its audience with the enchantment of the ignored world surrounding them. In this article, Toshiya Tsunoda’s exemplary Somashikiba (2016)—recorded in locations forgotten by civilization—will be examined via interpretive tools adapted from Ueda Shizuteru’s Kyoto School aesthetics and Takahashi Mutsuo’s poetics. Ueda’s philosophy offers a way of understanding perception which eliminates the subject-object division. Takahashi’s project of recovering the spirituality of place through poetry is a model of historically and politically engaged art. Looking, as these contemporary Japanese thinkers have done, to the precapitalist, pre-formalist past to rediscover (sound) art’s function as a medium which reconfigures the listener’s perception of reality, I argue for the urgency of sound art such as Tsunoda’s which aids in the re-enchantment of the world to a future beyond capitalist, humanist “civilization.”.
3.	Jamieson, D., Hollow Sounds: Toward a Zen-Derived Aesthetics of Contemporary Music, Journal of Aesthetics and Art Criticism, 10.1111/jaac.12581, 76, 3, 331-340, 2018.08, [URL].
4.	Jamieson, D., Marketing androgyny: The evolution of the Backstreet Boys, Popular Music, 10.1017/S0261143007001286, 26, 2, 245-245, 2007.05, [URL].

主要総説, 論評, 解説, 書評, 報告書等

主要学会発表等

1.

Daryl Jamieson, François-Xavier Féron, Shō and u: An exploration of physical and generic limitations through a decade of collaboration avec Ko Ishikawa, IRCAM, 2022.03, [URL], Over the past 10 years I have written five chamber or solo pieces for shō and/or u, all of which were written for Ko Ishikawa. These are Spectral (for Kazuo Ohno) (2012), fallen fragments (2015), fallings (2016), Stravaig (2017), and Descnats 1 (2020). Over these five pieces, I have been exploring the limits of what the shō and u can do. Working at the borders of instrumental and conventional limitations, I have been experimenting in order to discover where perceived limits are actual and hard (ie, immutable facts based in the physicality of the instruments), and where those limits are merely conventional and in reality quite porous (and thus able to be transcended). In this paper, by reexamining this decade-long process of collaboration and experimentation, I will show how my approach has changed/is changing through growing familiarity with the instrument (which I do not yet play myself), with its tradition, and with Ishikawa-san as a performer. I will share some of my conceptual approaches to composition and how they informed my approach to writing for the shō and u, and I will also introduce some of the practical results of these experiments – things that the instruments can and cannot do..

1.	Daryl Jamieson (composer, audio and video recording), Yuta (singer), Descants 2: and the trees, 2023.07 score, audio field recording, video recording of performance, 『デスカント』は自然環境の中で奏される作品シリーズであ る。「自然」という語について、この場では、人為-非人為 という区別を避け、人工の環境をも含むこととする。音楽自 体が前景化されず、また自然のサウンドスケープから分かた れず、むしろ作曲された音楽自体が自然の音響の一部になる ことを企図している。 「デスカント 第2番:木々と」は8つの節からなり、イング リッシュの作家Paul Kingsnorthの詩を歌い上げる。この詩 は、農業や人間のいわゆる文明によって荒廃した土地が、自 然によって再生される(自然な状態に戻す)ことを讃えるも のだと私は解釈している。歌い手は、初め人間が傷つけた草 の中で沈んでいたが、自然とより調和した未来について考え るうちに次第に生き生きと活気を取り戻す。最後の無言の節 は、人間の耳にではなく木々に向かって歌われている。.
2.	Daryl Jamieson, de tiempo y agua y olas y sonidos y lluvia, 2024.03 piano solo (15 minutes), パブロ・ネルーダの詩集『Cien sonettos de amor』（100の愛のソネット、1959年）中から名を取った私の作品としては3作目に当たるのがこの「de tiempo y agua y olas y sonidos y lluvia」（時と水と波と音と雨の）である。第1作は2005年、12楽器のシンフォニエッタのために作られたもので、同詩集4番目にして最後のセクション「夜」から名を採った。題して「con tu sueño en mi sueño」（私の夢の中であなたの夢を）。第2作は2008年のピアノ・ソロ作品「besos y volcanes」（キスと火山）で、同詩集最初のセクション「朝」から名付けた。そして本作の題名だが、これは第3セクション「夕方」から採ったものである。 3作品の題名が同詩集に由来していることを反映し、作品はいずれも三部形式であり（ネルーダよりもシェイクスピアのソネットに近いが）、私が通常書くものより即興性の高い、時には偶然性に基づく音楽素材にもアプローチしている。このことは3作品を貫く主題である「愛」の反映でもある。しかし、私の現在の音楽的・研究的関心に照らして、愛を、ある人への愛から私たちすべてが巻き込まれている現象界全体へのそれへと拡大（事々無礙）した一節を探し、タイトルにすることにした。 本作品は井上郷子氏のために書き、同氏に捧げるものである。2009年に初演された「besos y volcanes」から始まった15年にわたる共同作業への謝意として。 本研究はJSPS科研費23K00215の助成を受けたものです。.
3.	Daryl Jamieson, Well Drops, 2023.09, [URL], 9-minute electro-acoustic piece for 6 channels (stereo version also available) presented as part of Sounding Garden, a sound exhibition at Koishikawa Botanical Gardens in Tokyo, produced by the memu earth lab..
4.	Daryl Jamieson (composition, video and audio recording, editing, live electronics), Kimihiro Yasaka (pianist), Gotō (Archipelago), 2023.07 A 75-minute work combining field recorded audio and video with piano, [URL].
5.	Daryl Jamieson, utamakura 7: Shiogama 歌枕7：鹽竈, 2022.12 On utamakura The philosopher Ueda Shizuteru identifies three linguistic registers that we all employ. He calls them signal, symbolic, and hollow. The signal register is when there is a direct correspondence between the utterance and a thing as perceived in conventional reality. The symbolic is when the word or phrase suggests a constellation of associations and emotions in addition to (or instead of) pointing towards a concrete thing. The hollow is when the speech implies something which is beyond what is considered natural in conventional reality: religious language, absurdist humour, and poetry fall into this category. Utamakura, a category of poetic words derived from place names that have been used for more than a millennium by Japanese poets, can function on all three levels simultaneously: They indicate the named place (signal), evoke intertextual associations with previous poems (symbolic), and, because their web of associated meanings originated so long ago, inevitably the images they invoke of places which remain real in large part no longer match reality (hollow). The disconnect between image and reality, between intellectual comprehension and senses, is one way that these poems can disrupt our sense of what is real. This skeptical stance towards conventional reality – which in the Kamakura period was considered a Buddhist soteriological function of poetry – can in our modern age also be construed as a questioning of the consumption-driven necropolitics of late capitalism. On utamakura 7: Shiogama The final piece in the seven-part utamakura series (with the caveat that number six has not yet been completed), is based not around poetry, but a nō play Tōru by Zeami, one which features a much larger number of utamakura words than a typical play would. The complex web of associations begins with the title location, which refers both to a place in Miyagi (just south of the famously beautiful Matsushima) and a 9th-century Kyoto garden (Kawara-no-in) which was built by Minamoto no Tōru to mimic it. By using tens of utamakura in the play, Zeami’s text produces a kaleidoscopic vortex of associations, across the centuries, seasons, and locations that defy reality, creating a hollow, magical theatrical place which enchants, discombobulates, and, perhaps, reveals something about the the openness of reality beyond the conventional view. This piece follows the structure of Zeami’s play but evokes its mystical world with dance, live music, pre-recorded video and soundscape recordings (from both Kyoto and Shiogama), as well as incense and food. It is my hope that, through the different levels of expressive ambiguity afforded by dance, sound, video,　scent, and taste, some semblance of the almost-shamanistic hollowness afforded by Zeami’s original can be sensed here, in a guise less rooted in linguistics and more in the pure experience of music theatre., [URL], for solo cello, dancer, video and audio field recordings.
6.	Daryl Jamieson, Discarnate Seeds 無形種, 2022.12 プログラム・ノート この作品は、2022年春に出雲での二つの迫力ある 聴覚体験に基づいています。 一つ目は日御碕神社の境内にある小さな林の、出 雲に最もゆかりのある複雑にして強力な神スサノオ を祀る神社の近くにおいてでした。井戸のある空 き地に、私はじっと立っていました。潮風が周囲 の木々の種を揺らし、生命を維持する小さな粒 が、そぼ降る音のような、またそれとも違う音を 立てて私の周りに降り注いだのです。 翌日、この作品の委嘱した杉原響平氏の案内で、 私は鰐淵寺と浮浪の滝を訪れました。この滝は、 緑色の苔に覆われた湿った岩の緩やかな傾斜の上 に、繊細な水の流れを落としていました。今まで 見たことも聞いたこともないような滝でした。 これらのサウンドスケープが、この作品の種と なったわけです。, for percussion solo ソロ打楽器のために.
7.	Daryl Jamieson, Graham Eatough, The Seaweed Gatherers (work in progress), 2022.09, [URL], a 45-minute music theatre piece for field recordings, video, flute, accordion, percussion (by myself), with performer and dancer Premiered at Glasgow University, 2 September 2022.
8.	Daryl Jamieson, Seven Miniatures, 2020.05 7 short piano pieces written at the start of lockdown, May 2020.
9.	Daryl Jamieson (composer), Satoko Inoue (pianist), be, 2022.02.
10.	Daryl Jamieson, Descants 3, 2021.12, piece for objects in a natural environment.
11.	Daryl Jamieson, composition Ko Ishikawa, shō and u, Descants 1, 2021.11, piece for shō and u in a natural environment.
12.	Daryl Jamieson (composer), Shozan Hasegawa (shakuhachi), Descants 5: questions for the sea, 2021.11 『デスカント』は自然環境の中で奏される、ソロ奏者のための作品シリーズである。「自 然」という語について、この場では、人為-非人為という区別を避け、人工の環境をも含むこ ととする。音楽自体が前景化されず、また自然のサウンドスケープから分かたれず、むしろ 作曲された音楽自体が自然の音響の一部になることを企図している。 『デスカント第5番:海への問い』は、あらゆる水体(必ずしも海ではない)の岸(縁)で演奏す ることを目的としている。完全に記譜されたものから即興のテキストスコアまで、5つの セ ル素材で構成されている。あるセルから別のセルへの移動時には、演奏者(または演奏者達) が方向転換する。.
13.	Daryl Jamieson, composition Tomoko Akasaka, viola, Descants 4, 2021.10, piece for viola in a natural environment.
14.	Graham Eatough and Andre Dekker (directors and editors) Daryl Jamieson (music composition) , Floating Worlds - Erraid Sound, 2021.10 short film scored with excerpts from pieces by Daryl Jamieson.
15.	ゼミソン・ダリル, Ro, 2021.04 ピアノソロ。 演奏時間：75分 委嘱：Cheryl Duvall Premiered 17 September 2022, Toronto, [URL], solo piano piece.
16.	ゼミソン・ダリル, ７つのミニアチュール, 2020.05, 芸術活動.
17.	ゼミソン・ダリル, 狐紅, 2020.01 クラリネット、アコーディオンのためのデュオ, [URL], 芸術活動.
18.	overall editors of the project: Gene Gort and Ken Steen Daryl Jamieson (and more than 100 other sound- and video-art creators), ローマクロスター(2019年8月21日), 2019.10 2019年10月28日、Gene Gort氏とKen Steen氏が主催した『Then, What If?』というオンライン・マルチメディア・グループ作品に於いて初演されました, [URL].
19.	Composer, field recording, sound engineer and video direction: Daryl Jamieson Performers Aoi Nishimura (flute) Nagisa Unagami (oboe and cor anglais) Ryuta Iwase (clarinets) Hidetaka Nakagawa (bassoon) Kei Kondo (horn) produced by atelier jaku, 歌枕4：セント・ダンストン・イン・ジ・イースト, 2019.05 「歌枕」は、8世紀に始まる和歌の伝統において、歌の中で詠われた地名を指す。聖地や大事件が起きた場 所は、歌に詠み込まれることによって、長く人々の記憶に留められた。歌人が歌のうちに響かせたそれらの 地名は、過去数百年もの間繰り返し用いられてきた。幾世代にも渡って、詩人や作曲家、能作者らがさまざ まな作品に上らせてきたのである。地名(歌枕)の周辺には、こうして次第に間テクスト的な言及が堆く積 み重なっていくことになったのである。 この「歌枕シリーズ」において私は、国の内外を問わず、名高い物語の舞台へ赴き、まずフィールド・レコー ディングを行った。続いてそれらの録音をもとに、私はいくつかの作品を書いた。これらの作品は、長い時 間をかけてある場所と結び付けられるに至った連想や場、時間に対して、現在の我々が向ける想いを扱った ものである。場から連想される理想と、実際には期待はずれとも言える現実を前にした時に感ぜられる精神 的な懸隔を扱ったもの、とも言い換えられよう。 「歌枕4:セント・ダンストン・イン・ジ・イースト」は、ロンドンのシティ、セント・ダンストンズ・ヒ ルにある庭園を舞台とした作品である。ここは千年以上もの間聖地であった。現在の教会は12世紀前半に建てられたが、以後何度も修復の手が入っている。特筆すべきは1666年のロンドン大火後、イギリスを代表す る建築家のサー・クリストファー・レンが魅力的な塔を再建したことであろう。第二世界大戦中、ドイツ軍 による空爆で、全ての屋根と壁の殆どが破壊されたが、レンの塔は残った。現在、同教会の廃墟には見応え ある庭とベンチがあり、戦争の持つ破壊性と自然の回復力とを人々に想起させるものである。 この作品は6楽章からなるが、各楽章に題名が付けられている。カトリックの歴史と、サウンド・アーティストFizz Margeresonがフィールド・レコーディングを行った時間を呼応させるべく、聖務日課という毎日 の祈りの名を使った。「テルチェ(三時課:午前半ばの祈り)」、「セックスト(六時課:正午の祈り」、そして「ノネ(九時課:午後半ばの祈り)」がそれである。さらに各楽章には、作曲時にセント・ダンスト ン・イン・ジ・イーストの庭園に実際植わっていた植物のうち、シェイクスピアが言及していた植物を選り、 彼の作品から該当箇所を引用、副章題として付した。, [URL], 芸術活動.
20.	Composer, audio and visual fixed-media editor: Daryl Jamieson Performers at the premiere performances: Miyama McQueen-Tokita - bass 17-string koto Amahl Arulanandam - cello Cheryl Duvall - piano/co-artistic director Terry Lim - flutes Nathan Petitpas - percussion Anthony Thompson - clarinet Ilana Waniuk - violin/co-artistic director Video: SoundStill Productions (Tim O'Reilly) Audio: Paul Hodge, 歌枕5：鎌倉山, 2019.09 「歌枕」は、8世紀に始まる和歌の伝統において、歌の中で詠われた地名を指す。聖地や大事件が起きた場所は、歌に詠み込まれることによって、長く人々の記憶に留められた。歌人が歌のうちに響かせたそれらの地名は、過去数百年もの間繰り返し用いられてきた。幾世代にも渡って、詩人や作曲家、能作者らがさまざまな作品に上らせてきたのである。地名（歌枕）の周辺には、こうして次第に間テクスト的な言及が堆く積み重なっていくことになったのである。 この「歌枕シリーズ」において私は、国の内外を問わず、名高い物語の舞台へ赴き、まずフィールド・レコーディングを行った。続いてそれらの録音をもとに、私はいくつかの作品を書いた。これらの作品は、長い時間をかけてある場所と結び付けられるに至った連想や場、時間に対して、現在の我々が向ける想いを扱ったものである。場から連想される理想と、実際には期待はずれとも言える現実を前にした時に感ぜられる精神的な懸隔を扱ったもの、とも言い換えられよう。 「鎌倉山」は現在の鎌倉山とは違い、伝統的には現在、鶴岡八幡宮がある場所をそう呼んでいたらしい。鎌倉山を歌枕とする和歌には、木を切ったり削ったりする音、草刈り、鳥の鳴き声や雲が現れる。「鎌」は勿論、動詞の「刈る」と関わるのであろう。鎌倉に６年間住んでいた私の見たところ、八幡宮は過度に商業主義的になったようで、聖域というより観光地と言った方が良さそうである。とはいえ、境内の中では神道の起源を思い起こさせる自然もある。本作品のオーディオ・ヴィジュアル・レコーディングは鎌倉山の伝統的なイメージと現実の間の緊張を経巡りながら、楽器はそれにコメントするように奏される。 鎌倉山に集中しつつ、八幡宮より１.５キロほど東にある小さな神社、鎌足神社の映像を三つ、短く挿入した。鎌倉の創設神話に関わる「鎌」が埋められたと言われるこの神社は穏やかで、観光客はあまり来ず、自然豊かなところである。日本の精神的生活のに関して私は部外者のままだが、ここは鶴岡八幡宮より神道の伝統的な原理に近い神社だと感じている。 何れにせよ本作は古今の「鎌倉山」に関連づけられた作品で、現在から現代人が想像する過去までを遍歴するという構成をとる。つまり、ぼやけて無目的的、鳥居の朱色に染まった現代の雑音から、明るく豊かな緑色のものとして想像される過去へ、期待される未来へと、大きく広がっていくのである。, [URL], 芸術活動.

所属学会名

学会大会・会議・シンポジウム等における役割

学会誌・雑誌・著書の編集への参加状況

学術論文等の審査

海外渡航状況, 海外での教育研究歴